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Declaración de principios · Versión 1.0
Publicamos esto antes de que nadie nos lo haya pedido. No estamos resolviendo ninguna disputa local; preferimos decir claramente lo que pensamos ahora antes que improvisarlo más tarde, bajo presión.
CUBE existe para impulsar a los artistas. Todo lo que sigue a continuación se deriva de eso y de nada más.
Somos una fundación joven en una ciudad pequeña con una comunidad artística seria, y publicamos esto antes de que nadie nos lo haya pedido. No estamos resolviendo ninguna disputa local. Simplemente preferimos decir claramente lo que pensamos ahora antes que improvisarlo más tarde, bajo presión, en medio de una discusión sobre el trabajo particular de un artista concreto.
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El trabajo que financiamos, exhibimos y presentamos ante esta comunidad debe originarse en una persona con algo que expresar. Ese es el estándar, y es el único que siempre ha importado. Era el estándar cuando la herramienta era un cincel. Es el estándar ahora.
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Esta no es una concesión que le hagamos a la tecnología. Es una condición básica de la libertad artística. Un artista que quiera moler sus propios pigmentos debe hacerlo. Un artista que quiera usar un modelo a las tres de la mañana para encontrar la composición que ha estado buscando durante un mes, debe hacerlo. Ninguno le debe a nadie una disculpa por su elección.
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No prohibiremos la IA en el trabajo que CUBE financia, encarga, exhibe o adquiere. Nuestras razones se detallan a continuación, y no se resumen en que "nos gusta la tecnología".
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Explique a la gente cómo se realizó el trabajo: de forma clara, sin rodeos y sin pedir disculpas.
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Los valores de CUBE son Cultura, Unidad, Pertenencia y Equidad. Una herramienta que reduce las barreras para crear, investigar, traducir y participar no es algo secundario para estos valores; es fundamental para ellos.
Preferimos exponer el argumento en nuestra contra correctamente antes que fingir que es débil. No es débil.
Los grandes modelos de imagen se construyeron ingiriendo cantidades enormes de trabajo, incluido el de artistas vivos a quienes nunca se les pidió permiso, ni se les dio crédito, ni se les pagó. Eso es cierto. No se responde señalando que los tribunales aún no han terminado de decidir si fue legal. Es muy posible que los tribunales concluyan que lo fue, y los artistas cuyos portafolios fueron extraídos seguirían sin recibir lo que nunca obtuvieron. Ese es un reclamo moral, y sobrevive a lo que sea que decidan los tribunales.
Este no es un daño hipotético que llegará en una fecha futura. En un estudio de 2024 encargado por el Animation Guild y la Concept Art Association, aproximadamente tres cuartas partes de los ejecutivos de entretenimiento encuestados dijeron que la IA generativa ya había contribuido a eliminar, reducir o consolidar roles en sus propias divisiones. Una encuesta de la Sociedad de Autores del Reino Unido encontró que alrededor de una cuarta parte de los ilustradores informaron haber perdido trabajo ya. El arte conceptual, el guion gráfico y la ilustración están absorbiendo esto primero y con mayor dureza. Cualquier organización artística que discuta sobre IA sin decir esto en voz alta no está siendo seria.
La objeción más fuerte no tiene que ver con la ley ni con los empleos. Como ha señalado el investigador de gráficos por computadora Aaron Hertzmann: cada herramienta anterior dejaba a la audiencia capaz de saber, a grandes rasgos, cómo se hizo algo. Nadie confundió una fotografía antigua con una pintura. Nadie confundió un sintetizador con una sección de cuerdas. La IA generativa es la primera herramienta donde esa señal desaparece: el espectador ya no puede leer la creación de una obra a partir de su superficie, y gran parte de cómo asignamos significado, esfuerzo y valor depende de poder hacerlo.
Creemos que esta objeción es correcta. Simplemente extraemos una conclusión diferente a la de quienes piden una prohibición. Si el problema es que la procedencia se ha vuelto invisible, el remedio es hacerla visible de nuevo. Eso es transparencia. No es prohibición.
El daño real está en el origen, en cómo se entrenaron los modelos y a quién no se le pagó. Rechazar a un artista en Healdsburg no le devuelve nada a un artista conceptual en Los Ángeles cuyo portafolio fue extraído en 2021. No altera ningún conjunto de entrenamiento. No cambia nada sobre aquello que, con razón, enfurece a la gente. Solo excluye al artista que tenemos delante.
Estas capacidades están ahora integradas en el software común: en Photoshop, en Lightroom, en el teléfono que tomó la fotografía de referencia. No hay una línea que un administrador pueda trazar y luego defender. Lo que llena el vacío es la sospecha: jurados escudriñando manos, presentaciones litigadas en internet, artistas acusados por la evidencia de un pulgar extraño. Esto ya ha sucedido en otros lugares. Castiga al honesto, premia al silencioso y convierte a una comunidad de práctica en una comunidad de inspectores.
La prohibición preserva una imagen preexistente de lo que es y hace un artista. No protege la capacidad de ningún artista en particular para crecer, cambiar de rumbo o transformar su práctica; la limita. Un artista que decide que su trabajo ahora involucra estas herramientas no ha dejado de ser artista. Una regla que diga lo contrario ha dejado de tratar sobre el arte para tratar sobre el estatus.
Entendemos el impulso. Proviene de una pérdida real y de una ira real, y las personas que lo sienten no son tontas; muchas de ellas son los artistas a quienes servimos. Pero la prohibición es una mala respuesta a una queja legítima, y adoptarla nos costaría algo que no estamos dispuestos a sacrificar: el derecho del artista a decidir cómo trabaja.
Esta es la parte del argumento que más nos importa y la que recibe menos atención.
Los compromisos fundacionales de CUBE incluyen programación bilingüe, acceso gratuito y la colaboración con organizaciones que sirven a personas a las que las instituciones de esta ciudad históricamente han llegado al final. En ese contexto, una herramienta que traduce al instante no es una novedad. Tampoco lo es una que permita a alguien sin formación en investigación adentrarse en un archivo, o que le permita a una persona poner a prueba una idea debatiendo con algo a medianoche cuando no hay nadie más a quien preguntar.
Para muchísimas personas, la barrera para crear arte nunca fue el talento. Fue el acceso: a la formación, al tiempo de estudio, a un lenguaje, a alguien que tomara su trabajo en serio. Estas herramientas reducen algunas de esas barreras de manera significativa y abren la puerta a personas a las que, de otro modo, nunca se les habría permitido entrar. Una prohibición vuelve a levantar esas barreras, y las eleva precisamente para aquellas personas a las que CUBE fue fundada para llegar.
Nuestros compromisos, para que esto sea una política y no un estado de ánimo:
Bajo los mismos términos que cualquier otra obra: ¿es buena?, ¿está fundamentada en la intención y el criterio del artista?, ¿tiene sentido presentarla ante esta comunidad?
Para las becas, encargos y exposiciones de CUBE, se preguntará a los artistas qué herramientas utilizaron y qué decidieron, moldearon y crearon ellos mismos. Una o dos frases, no una confesión. No estamos vigilando el proceso. Estamos devolviendo al público lo que la IA generativa le arrebató: la capacidad de saber qué es lo que están viendo.
No porque la IA haya intervenido, sino porque la autoría humana es nuestro principio fundamental, y el resultado directo de un comando (prompt) no constituye una obra de autoría. La ley federal de derechos de autor ha llegado a la misma conclusión, lo cual es conveniente, pero no es la razón por la que mantenemos este criterio.
CUBE utiliza IA en su propio trabajo: para traducción, redacción, investigación y para generar referencias visuales preliminares al preparar un proyecto. Cuando la IA haya dado forma de manera sustancial a algo que publiquemos, lo indicaremos. Una organización artística que utiliza estas herramientas en silencio mientras exige a los artistas que revelen las suyas pierde toda autoridad moral.
La legislación evoluciona, las herramientas avanzan y el sector aún no se ha estabilizado. Revisaremos esta postura anualmente y publicaremos los cambios pertinentes.
Sabemos que esta postura no será bien recibida por todos, incluso entre personas cuyo trabajo admiramos y con quienes deseamos colaborar. Preferimos ser claros y generar desacuerdo que ser vagos y complacientes.
Nuestras puertas están abiertas para cualquiera que quiera debatir al respecto, y no es una formalidad. Si nos hemos equivocado en algo, queremos saberlo. Este documento tiene un número de versión por una razón.
Corey Rawdon
Presidente de la Junta Directiva y Director Ejecutivo, CUBE Foundation for Arts and Culture — Versión 1.0, agosto de 2026
